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(資料圖)

從混沌初開的《涿鹿之戰》到天地之間的《敕勒歌》，從人間煙火的《蘭花花》到《百鳥歸巢》的南音新唱，譚維維這位從四川民歌土壤中生長出來的歌者，站在流光溢彩的舞臺上，汪洋恣肆的聲音回旋在劇場穹頂，不僅帶著觀眾穿越時空，更踏上一場文化尋根的精神旅程。正如《聲聲世世——風起八方劇場音樂會》之名，譚維維的歌恰似一陣陣吹自田野的風，讓人不禁聯想到《詩經》的“風”，又浮想到“采風”。

“風”，源自于《詩經》“風、雅、頌”中的“風”，為古代各地方民間樂歌，共160篇，反映了當時不同地區的風土人情和人民的生活、情感、愿望等，具有濃郁的地方特色和生活氣息，展現了古代社會的多樣性和人民性。“采風”這個源自《漢書》的古老詞匯，本意是天子通過采集民間歌謠以觀政教得失，始終與土地、人民和生活緊密相連。從《詩經》的“十五國風”到漢樂府的“感于哀樂，緣事而發”，那些在田埂上、江河邊、院落里生長的聲音，正是因為被采集、被記錄，才穿越千年成為我們共同的文化基因。譚維維的創作之路，恰是這一古老傳統在今天的延續。她一次次走出錄音棚，深入陜西黃土高原、內蒙古草原、云貴高原、南海之濱，去聆聽、去學習，讓自己的藝術生命與那片廣袤而深厚的文化土壤深深連接。

然而，在當代文藝創作中，“采風”二字也常被異化，變成了素材收集的代名詞，甚至變成了浮光掠影的觀光，變成了裝點門面的符號采集。我們見過太多這樣的作品：貼上幾個民間圖案，引用兩句古老歌謠，便自稱繼承了傳統；到鄉村走馬觀花，與農民合影留念，便宣稱深入了生活。這種“采風”是表層的、工具性的，沒有真正進入文化的內核，失去了本應有的深度與溫度。

當譚維維與華陰老腔藝人合作《華陰老腔一聲喊》時，我們聽到的不僅是傳統與現代的碰撞，更是藝術家對土地深情的叩問。那些老藝人額間的皺紋、手上的老繭、嘶啞的嗓音，都不是短短幾日采風就可以理解的。只有一次又一次走進那片黃土地，才可能讓那聲“喊”迸發出撼人心魄的力量。真正的“采風”，一定是聽懂了田間勞作者的喘息、聽懂了大河纖夫的號子，讓身體記住土地的溫度，讓靈魂與文化共振，最終記錄下時代的脈搏。

在《敕勒歌》的演繹中，譚維維走進草原感受風吹草低的韻律；在《川江號子》的創作中，她沿著長江尋找老船工與急流險灘對話的語言；在《百鳥歸巢》中，她遠赴泉州領悟南音藝人口中“用心跳唱歌”的真諦。吹過田野的“風”，永遠是活著的、流動的，而不是博物館里的標本?！安娠L”的意義，在于理解這些藝術形式背后鮮活的生命體驗與情感世界。

這場音樂會的動人之處，或許是譚維維對《涿鹿之戰》的詮釋。她在采風中發現，不同地區的民間藝人對這場傳說戰爭的講述各不相同。這種多元性正是民間文化的本質特征，而古代采風官行走四方時，正是發現了“風”的千姿百態，才有了“詩三百，一言以蔽之，曰：‘思無邪’”的深刻總結。

當“聲聲世世”音樂會進入尾聲，譚維維與來自不同地區的民間藝人同臺謝幕時，這個場景成了采風精神的最佳隱喻：藝術家不是高高在上的拯救者，而是謙卑的學習者；民間藝術不是等待發掘的化石，而是源源不斷的活水。那些曾經在田埂上、在漁船里、在高原回蕩的聲音，在現代化的音樂廳里獲得了新的生命，這正是“采風”在當代的創造性轉化、創新性發展。

回望過去，屈原的《九歌》采集了楚地巫歌的養分，李白的詩篇融入了西域的豪邁氣韻，魯迅的小說深植于紹興水鄉的土壤——精彩的文藝創作，無不從大地深處汲取力量。當代文藝工作者應當走出自我的狹小天地，真正走進生活的廣闊原野，在民間文化的深處，尋找那些生生不息的創作源泉，讓我們的藝術創作，不再是閉門造車的無病呻吟，而是帶著泥土的芬芳、人民的溫度，成為這個時代真實而有力的聲音。

在這個被技術和流量裹挾的時代，回歸土地或許正是前進的最好方式。真正的采風，要求文藝工作者不僅要記錄聲音，還要理解產生這種聲音的生活環境；不僅要學習技巧，還要領悟支撐這種技巧的文化邏輯；不僅要采集素材，還要與這些素材的傳承者建立真摯的情感連接。唯有如此，我們才能在回歸土地的過程中，找回藝術創作的初心與靈魂。

來源：中國文化報